cahier d'artiste

Cahier

Assemblage de feuilles de papier reliées ensemble, muni d'une couverture.
Cahier de papier réglé, quadrillé. Cahier de cours, cahier d'exercices, cahier de brouillon. Un cahier d'écolier bien tenu, mal tenu.

Dans le cahier, les pages sont liées l'une à l'autre, les jours aussi.
Une page après l'autre, on avance sans se retourner.



Je découvre en ligne les cahiers de 1962 à 1979 de l'artiste polonais jan berdyszak, de nombreuses pages de compositions gestuelles à l'encre,




mais aussi des gouaches.





C'est très beau.





Né en 1934 à Zawory, l’artiste concentre son activité autour de la peinture, de la gravure, de la sculpture, des installations et de la scénographie théâtrale.
Théoricien de l’art et pédagogue, il préside, depuis de nombreuses années, le Conseil du Centre de la Sculpture Polonaise à Oronsk.

Réminiscences

Enfin je vais voir l'exposition Saint-Laurent, au petit palais.

C'est véritablement un voyage immobile au cours duquel se mêlent l'émerveillement et un soupçon de mélancolie.



Bien mieux que je ne saurais le faire, à peu près tout a été dit, écrit sur YSL, sur sa timidité désarmante, sa passion pour l'art et surtout son talent d'artiste toujours en mouvement, dans son temps.

Cependant, son oeuvre me touche d'une façon singulière, parce que depuis l'enfance, il ressurgit invariablement et ses créations m'enchantent, ouvrent des fenêtres, entrebâillent des portes closes.

Son "dialogue avec l'art" m'a captivée d'emblée.
L'année de ma naissance il crée la série de robes en hommage à Piet Mondrian :
"J'aime d'autres peintres, mais ceux que j'ai choisis étaient proches de mon travail, c'est pour cela que je les ai sollicités. Mondrian, bien sûr, qui fut le premier que j'osai approcher en 1965 et dont la rigueur ne pouvait que me séduire, (...)"




Aperçue dans un magazine quand j'étais enfant, cette robe a continué de me fasciner jusqu'à se muer en leitmlotiv au fil des années.



Par elle j'ai découvert ces artistes modernes qui avaient élaboré un nouveau langage formel en abandonnant complètement les représentations conventionnelles de l'art traditionnel.
L'envoûtement venait de ce que ce langage était à la portée de l'observateur, non pas par sa valeur figurative, mais par la variation à la fois multiple et subtile de quelques principes élémentaires de création artistique (horizontal/vertical, grand/petit, clair/obscur et les couleurs primaires).



Vue pour la première fois "en vrai" à la Fondation Pierre Bergé et Yves Saint Laurent à l'occasion de l'exposition "dialogue avec l'art", en 2004, je peux l'admirer à nouveau aujourd'hui au petit palais.

Parlant des peintres auxquels il a rendu hommage, Yves Saint-Laurent écrit encore :
"Je ne les ai pas copiés - qui pourrait s'aventurer à le faire ? - J'ai voulu tisser des liens entre la peinture et le vêtement, persuadé qu'un peintre est toujours de notre époque et peut accompagner la vie de chacun"

Je me souviens aussi du plaisir d'apprendre, l'année de mon bac, en 1983 qu'Yves Saint-Laurent était invité à New York au Metropolitan, Museum of Art, la première fois pour un couturier vivant. Par la suite, il a exposé dans de nombreux musées tels que Pékin, Paris, Moscou, Saint-Pétersbourg, Sydney ou Tokyo.

Si la "robe Mondrian" tient une place particulière dans mon coeur, tant d'autres créations d'YSL m'éblouissent tout autant !

Me reviennent encore en mémoire les frissons et le choc de "Belle de Jour" -où Catherine Deneuve est sublimée par les vêtements d'YSL-, regardé en cachette à la télévision, accroupie sur une marche de l'escalier de la maison de mon enfance, sans le son et la moitié de l'écran dissimulé par la porte entrebâillée.




Au plus près des étoffes et du montage des pans et des plis qui structure le vêtement, c'est aussi l'exceptionnelle maîtrise technique qui s'impose au regard :
Là un tombé parfait,

Ici, l'infinie délicatesse des paillettes brodées,



"Une femme. Elle est là. Et lui, il est ici. Il dessine.
Et la femme, la voilà habillée". (Marguerite Duras)

Nicolas & Vladimir

"La contemplation de la beauté, qu'il s'agisse d'un coucher de soleil aux tonalités particulières, d'un visage lumineux ou d'une oeuvre d'art, nous force à nous retourner inconsciemment sur notre propre passé, à nous confronter, à confronter notre âme à la beauté parfaite et inaccessible qui nous est dévoilée".
La Vénitienne, p. 195

Attirée d'emblée par l'expressionnisme abstrait si séduisant de Nicolas de Staël, puis véritablement arrimée dans les pages au papier velouté : une bonne odeur de papier neuf, un texte dense mais habillé d'une belle typographie.

Nicolas de Staël et Vladimir Nabokov sont tous deux nés à Saint Pétersbourg dans des familles aristocratiques. Mais la comparaison s'arrête là : une vie courte et tragique (1914-1955) pour le premier qui quitta la Russie à l'âge de deux ans, une longue vie pour le second qui, né en 1899, vécut jusqu'en 1977, eut une enfance heureuse entre la Russie, jusqu'à la révolution, puis Berlin, Paris et l'Angeterre où il suivit des études de lettres à Cambridge.
Malgré ces différences, il semble que "l'âme russe" surgisse aussi farouchement dans les masses de couleur du peintre que dans la prose de l'écrivain.

Le genre littéraire de la nouvelle interprêté par Nabokov est une succession de friandises, de fantaisies succulentes, la lecture de l'une créant aussitôt une irrépressible envie d'en déguster une de plus.

"La locomotive, jouant rapidement des coudes, courrait à vive allure à travers une forêt de pins, puis, soulagée, au milieu des champs. N'entrevoyant que vaguement encore toute l'absurdité et l'horreur de la situation et essayant peut être de se persuader que tout était pour le mieux, Vassili Ivanovitch trouva le moyen de jouir des charmes fugitifs qu'offraient la route. (...) Le soleil grimpa peu à peu vers un coin de la fenêtre et inonda soudain la banquette jaune. L'ombre affreusement écrasée du wagon fuyait comme une folle sur l'herbe du talus où les fleurs se fondaient en stries de couleurs. Un passage à niveau : un cycliste attendait, un pied posé à terre. Des arbres apparurent en groupes ou isolés, pivotant froidement d'un air narquois comme pour présenter la dernière mode. L'humidité bleue d'un ravin. Un souvenir d'amour déguisé en prairie. Nuages effilés -lévriers du ciel".
Lac, nuage, château, p. 601

Tengri, le bleu du ciel

Un histoire d'amour boulversante, les espaces sublimes et infinis de la steppe kirghize, une musique envoutante : tous les ingrédients réunis là pour créer un moment de pur bonheur, comme un écho à ma propre légende.



Tengri, le bleu du ciel un film de Marie-Jaoul de Poncheville, n’est pourtant pas seulement un film d’amour.
À l'irréristible sourire de l'actrice Albina Imachova, s'ajoute un regard aiguisé sur la condition féminine des peuples tribaux et une ode à la transgression des frontières.
La confluence des peuples kirghize, Kazakh, russes, sourd dans ces images, ainsi que l'importance de l'identité.


Je pense aussi à cet autre film, Urga de Nikita Mikalkov, sorti en 1991, qui m'avait transporté de la même façon sur les ailes du vent de l'Asie centrale.

Autour du cou

Autour du cou, la force du buffle enrobée de douce laque rouge...

La ligne de bijoux Corne et Laque est née de la juxtaposition de deux techniques artisanales traditionnelles dont les origines se perdent en Asie dans la nuit des temps.
Au Viêt Nam, au Sud de Saïgon, un petit groupe d'artisans passionnés perpétue ces savoir-faire pour Hermès
Chaque bijou est taillé, façonné à chaud, puis minutieusement laqué à la main dans les règles de l'art pour recevoir les nombreuses couches de laque qui lui donneront toute sa beauté.

谢谢 !*

*merci !

Quintessence du fabuleux

Je regarde, dans le numéro 12 de "Grande galerie" le journal du Louvre, une fantastique série de photographie de Karen Knorr réalisée au Louvre et lis l'article d'Adrien Goetz.

Un délicieux humour so british émane de "Cult of Kharites", "le culte des Cariatides", où un guépard, un chameau et un pan semblent deviser aimablement devant les trois grâces...



Quel joie de découvrir une artiste qui explore des univers qui me sont chers ! Dès la page d'accueil du site de Karen Knorr, je frémis de plaisir : un oiseau à l'air frondeur traverse un lieu de passage où l'étagement des portes passe pour un tableau de Piet Mondrian.


Plus loin, je découvre la série "Fables" : cela est enchanteur, délicat, surnaturel comme la "quintessence du fabuleux", un subtil assemblage d’imaginaire et de réel, une chimère malicieusement devenue réalité.



Au-delà de leur séduction immédiate, cette équivoque fait la force des photographies de Karen Knorr.



Née à Francfort dans les années 50, Karen Knorr est Américaine et vit à Londres. Après avoir grandi au Puerto Rico, elle a étudié en France et en Grande Bretagne, notamment au Polytechnic of Central London.



Tout un bestiaire est mis en scène dans des contextes inattendus. "Fables" est une narration sans parole dont les animaux sont les protagonistes.
Pour ce travail, Karen Knorr est allée dans les châteaux de Chambord et de Chantilly, le musée Carnavalet, le musée de la Chasse et de la Nature, photographier à l’argentique.

Dans ces intérieurs encore imprégnés par la pompe des siècles passés, elle a disposé des animaux empaillés ou vivants, tantôt au moment de la prise de vue, tantôt par retouches numériques.



"Fables" est un ensemble qui se nourrit de multiples influences.

Longtemps avant d'être sublimé par La Fontaine, le grec Ésope, au VIIe siècle avant Jésus Christ recourait déjà à l’allégorie animale pour illustrer un propos moral.

Je pense aussi aux peintres animaliers hollandais du XVIIe siècle, et surtout au flamand Pieter Boel (1622-1674), peintre des animaux de Louis XIV.


Pieter BOEL, dit Boule (Anvers, 1622 - Paris, 1674)
Étude d'une grue couronnée, à dater entre 1669 et 1671
Peinture à l'huile, toile 1,01 x 0,80 m, Conservé au Musée du Louvre.




Cette invitation à l’humilité que nous adressent ces animaux dans le silence n’est pas sans évoquer encore l’art de la vanité, et pose la question de l'impermanence humaine.

Nuit de chine, nuit caline, nuit...

今天晚上, 考完试以后我觉的又累又饿，
头也有一点儿疼... *



* Ce soir, une fois les épreuves terminées, je me sens fatiguée et affamée et j'ai un peu mal à la tête...

Les belles vacances

Flâner entre les murs des venelles où se coule la lumière dorée de la fin du jour, un sécateur dans une main, un panier dans l'autre, quand au détour du chemin surgit le scintillement des eaux du golfe : quel bonheur !

Beautés froissées

L'artiste Rupert Shrive renouvelle l'art du portrait dans ces beautés froissées, transforme la peinture en sculpture.
Des traits fardés et troublants de ses visages au bord de la disparition émane un parfum évanescent et prégnant à la fois qui me rappelle celui des ukiyo-e, des belles courtisanes des images du monde flottant japonais de l'époque d'Édo.

Kakemono de Kaigetsudo Ando, encre et couleurs sur soie, XVIIe siècle,
conservé au Japon.


Ils ont aussi à voir, avec la vive émotion née de la nostalgie du regard des portraits du Fayoum.


Portrait de femme, 24 X 42 cm, bois de tilleul peint à l'encaustique et doré, milieu du IIe siècle après J.-C., Fayoum ?, conservé au Musée du Louvre.


«J’essaie de capturer des moments éphémères, des présences fugitives, comme les visages que vous voyez trembler à la lumière d’un feu. Donc l’impermanence des choses est certainement là […]. Cela me fascine et est très difficile à saisir dans une peinture », confie l’artiste anglais au critique d’art Michael Peppiatt, biographe de Francis Bacon.



Les oeuvres de Rupert Shrive ont cela de merveilleux qu'elles me procurent un double plaisir : celui de leur beauté intrinsèque, auquel s'ajoute l'évocation d'autres univers créatifs qui m'émeuvent particulièrement, comme cette "Chinese girl" qui m'emporte instantanément dans l'ambiance nocturne et mélancolique du film de Wong Kar Wai, "In the mood for love".



Rupert Shrive vit et travaille à Londres et Paris.
Né en 1965, il a grandi à Norfolk et suivi ses études à l’école d’art de Norwich puis à celle de St Martin à Londres.

Poésie de la pluie

J'aime le caractère YU, la pluie.
Il est resté très semblable au pictogramme originel.
Le caractère montre quatre gouttes qui tombent des nuages représentés dans le récipient ouvert vers le bas et suspendu dans le ciel (le trait horizontal supérieur).

En mettant après la clé celle de vêtement, on a un imperméable : le vêtement pour se protéger de la pluie...
yu yi imperméable



En écrivant sous le caractère de pluie celui de champ, on a le tonnerre.
lei tonnerre



En écrivant après tonnerre le caractère de pluie, on a l'orage.
lei yu orage


Avec le caractère de grenouille après la clé, on a la rainette, le petit animal amphibie vert tendre dont le coassement annonce la pluie.

yu wa rainette








Pluie fine en mars
Lavis (34 x 26 cm) de CHIANG Tsu-Wang,
Peintre et calligraphe taiwanais.

Ajami

Ajami, est le nom d'un quartier de Jaffa ville rattachée à l'agglomération de Tel Aviv, en Israël. Là se nouent des drames, s'imbriquent les destinées de personnages si différents et si proches, la violence est crue, réelle.

Quand la lumière s'est rallumée dans la salle de cinéma, pendant de longues secondes, aucun mouvement alentours.

Comme l'écrit très bien Jacques Mandelbaum dans Le Monde,
c'est "un film électrique, nerveux, inventif, palpitant comme la vie et tranchant comme la mort". Ce "monde pourri de l'intérieur par les logiques claniques, vitrifié par le repli communautaire", est montré avec une efficacité redoutable !

Yaron Shani, isralélien d'origine juive et Scandar Copti, israélien d'origine palestinienne ont écrit et réalisé ce film terriblement noir, terriblement éclairant aussi. Si l'oxymore a une terre d'élection, c'est Ajami.

Amazing portable cities !

Yin Xiuzhen , artiste chinoise née 1963 à Pékin où elle vit et travaille, a commencé à montrer son travail à la fin des années 80, période où elle est diplômée de l´université normale de Pékin.

Yin Xiuzhen s’oriente dès le début des années 1990 vers la vidéo, la photo.

Ses installations lui permettent de réagir aux changements rapides du paysage urbain, politique et social de la Chine. Elles soulignent les menaces que la modernisation à outrance fait peser sur l’écologie et sur l’environnement.

Yin Xiuzhen utilise aussi des objets et vêtements ayant appartenu a d’autres personnes, qu’elle recycle dans ses installations.

Dès 2001, elle commence ainsi sa série Portable City, qu’elle accommode au gré de ses voyages.

Dans chaque ville ou pays qu’elle traverse, elle accumule des vêtements usagés, chaussettes, cravates, jupes, vestes, et vieux lainages qu’elle ramène dans ses valises.

YIN XIUZHEN Portable City: Melbourne, 2009 suitcase, used clothes, magnifying glass, map, sound, light Courtesy Beijing Commune

« Ville portable : Melbourne » est fondée sur l’expérience de vie de l’artiste dans la ville de Melbourne pendant trois mois.

Ces habits constituent la matière de ses installations qui parlent tout à la fois de mémoire et de changement, de permanence et de transition. Elle réinvente ces éléments à partir desquels elle fabrique des maquettes de villes.

YIN XIUZHEN
Portable City: Urumchi - 2008
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Courtesy Beijing Commune

Urumqi, capitale de la région autonome ouïgour de Xinjiang, située au pied nord des monts Tian shan et au bord de la rivière Ürumqi, était autrefois un passage stratégique sur la Route de la Soie. Elle est connue pour être la ville au monde la plus éloignée de la mer... On y parle le mandarin et le ouïgour.

Ces valises, présentées ouvertes et souvent accompagnées de cartes, présentent à chaque fois des topographies de villes différentes.

YIN XIUZHEN
Portable City: JiaYuGuan - 2009
suitcase, used clothes, magnifying glass, map, sound, light
Courtesy Beijing Commune

Jiayuguan est une ville de la province du Gansu en Chine. Le Fort de Jiayuguan marque l'extrémité occidentale de la Grande Muraille de Chine.




YIN XIUZHEN
Portable City: San Francisco - 2003
suitcase, used clothes, magnifying glass, map, sound, light


YIN XIUZHEN
Portable City: New York - 2002
suitcase, used clothes, magnifying glass, map, sound, light



Dans la démarche artistique de cette artiste, le choix du tissus me semble comme une analogie de nos propres tissus biologiques :osseux, fibreux, cristallins...
Ces vêtements ont été portés par les hommes et les femmes qui ont évolué dans l'espace urbain que Yin Xiuzhen reconstitue en kit à emporter dans une valise : c'est ce qui fait la stupéfiante force poétique de ces oeuvres.

Matin gris

Huang Shan, Marc Riboud 1985.

rêve de Chine...